Conversando com o pessoal nos comentários dos últimos posts, percebi que a aceitação dos jogos indie vem aumentando. De “mimimi eles têm preguiça de fazer jogo bem-feito e querem destruir o mercado” e “aiai, arte arte arte, jogo não é arte, jogo é dar uns tiro”, a opinião pública parece ter passado para o consenso de que jogos independentes são uma indústria paralela à mainstream, uma espécie de linha do tempo alternativa em que os jogos continuam sendo feitos com poucas pessoas e tecnologia de anos atrás, não sendo necessário gastar milhões para desenvolvê-los e portanto abrindo a possibilidade de se explorar mecânicas absurdas (Today I Die), criar pequenas piadas jogáveis (You Have To Burn The Rope), tentar fazer arte com algoritmos e sprites (Passage), ou simplesmente dar vida a um conceito que poderia muito bem ter virado jogo em 1985, o que não aconteceu porque um garoto promissor resolveu desistir de seus sonhos e virar engenheiro civil, e o conceito ficou na Gaveta da Evolução Humana por 25 anos até outro rapaz sem muito a perder resolver ganhar a vida fazendo jogos e acordar com uma ideia brilhante para um jogo (VVVVVV).

Sendo assim, é possível que você comece a ver mais posts sobre a cena indie aqui no No Controle – se alguém se opõe, por favor manifeste-se nos comentários, sua opinião será muito bem-vinda. Por enquanto, comecemos com um post simples e direto: recomendações de alguns joguinhos engraçados para terminar em 15 minutos e lavar a alma depois de 100 horas de Mass Effect 2. Pode ser que você já conheça todos – se esse for o caso, no próximo recomendo alguns indie games mais artísticos, tocantes e o diabo – aceito sugestões.

This Is The Only Level

Em algum lugar das atuais concepções sobre o mundo gamer, deve haver uma linha fina e sutil que separa “flash games” de “indie games”, Yeti Sports de Never Look Back, Sinuca Online de flOw, “jogue aqui jogos grátis e divertidos” de “cara, isso é ARTE”. Talvez nem haja uma separação propriamente dita, mas mesmo que essa linha exista, eu não tenho as coordenadas dela e vou misturar as duas categorias a gosto.

Os jogos do elefante azul são bons exemplos, como é o caso de This Is The Only Level, genial e feito em flash. O conceito é simples: há apenas uma fase, mas você precisa terminar ela diversas vezes com modificações nas regras do jogo a cada vitória. A princípio, as setas do teclado movimentam o elefante, mas logo os controles invertem, surge um vento forte como obstáculo, o jogo vira mais metajogo do que já era, por aí vai. De dica, apenas o nome de cada variação – embaixo do sempre presente “Level 1″.

This Is The Only Level Too

Contrariando minha crença de que This Is The Only Level tinha explorado tudo o que era possível nesse formato de fase única com regras variáveis, a Armor Games lançou a sequência alguns dias atrás. Além de portas que só abrem quando você não quer, gravidade invertida e uma esperta referência a Super Mario Bros., essa segunda fase tem personagens destraváveis e diferentes modos de jogo. Recomendo após terminar o primeiro game, tomar um banho gelado e fazer um lanche.

Achievement Unlocked

“Quem precisa de gameplay quando você tem ACHIEVEMENTS?” é o lema desse jogo, que na minha opinião é o mais genial da série do elefante azul. Se This Is The Only Level é um metajogo que pode ser tratado como uma piada sutil e divertida, Achievement Unlocked é uma piada escrachada que deve ser jogada. A descrição continua: “Concentre-se exclusivamente em seu destino final… fazer tarefas aleatórias que não têm a ver com nada”, em uma paródia da moda dos achievements. Também há só uma fase, mas o objetivo é decifrar e completar a gigantesca lista de conquistas, que inclui “10 Seconds – Play for 10 seconds” e “Scrolliastic – Scroll the achievements section”.

You Have To Burn The Rope

“Burro”, você está dizendo, “esses jogos do elefante azul não são independentes, são feitos pela Armor Games, que tem até marca animada”. Talvez você esteja certo, mas eu só pensei nisso agora e a) não vou apagar metade do post por causa disso, b) eu precisava recomendar esses jogos, c) por serem games completamente inusitados, alternativos e não seguirem convenções de como as coisas devem ser feitas para fazer sucesso, caem exatamente no porquê de eu gostar da cena indie, então no fim não fiz nada de errado. Caso você ainda não esteja convencido, entra You Have To Burn The Rope, que você muito provavelmente já jogou.

Eu não sei por que recomendar esse, senão pelo fator “é preciso conhecer”, e por ser o tipo de game que eu gostaria de fazer para começar a brincar de game design. É basicamente uma piada jogável de 30 segundos – mais a ótima música dos créditos, no estilo de Still Alive -, que pode ser uma alusão ao excesso de ajuda ao jogador, tutoriais que só faltam levar o protagonista no colo e a falta de desafio que coisas como um ponto fraco sinalizado em vermelho fluorescente na cabeça do imponente chefão representam, ou pode ser que o criador estivesse simplesmente com vontade de brincar de programação um pouco, aí resolveu fazer um metajogo curto e engraçado. Por ser engraçado, não tirar muito tempo da sua vida e ser um marco de quebra de paradigmas gamer, é preciso conhecer.

Death vs. Monstars

Esse é o mais “jogo” dentro das recomendações de hoje, e é o que vai deixar você viciadinho até terminar tudo. Death vs. Monstars é um shooter jogado com uma mão só, com uma jogabilidade bastante interessante e diferente. As fases são apresentadas na forma de uma lista de afazeres culminando em matar um chefão em que, o jogo faz questão de avisar, não basta queimar uma corda. Jogando as fases é possível coletar dinheiro, que é usado para comprar armas melhores ou fazer upgrades na Morte.

Death vs. Monstars é curto, bonitinho, ágil, bom pra caramba, mas bem fácil. Não há muito mais o que dizer sobre ele – de qualquer forma, diverte um monte e vale a jogada.

Aliás, todos os cinco valem. Acho que fracassei miseravelmente na proposta de recomendar jogos independentes, já que quatro deles são da Armor Games – que tem até marca animada -, mas de qualquer forma são cinco (ou seis?) ótimos jogos-piada, curtos, em flash, cujos criadores resolveram criar seus próprios padrões ou não seguir nenhum, enquanto poderiam ter escolhido a alternativa fácil e desenvolvido um lucrativo clone de Tower Defence. Jogue e diga o que achou nos comentários!

Uma vez, quando eu comprava todas as revistas e livros de RPG que encontrava pela frente sem nunca ter conseguido gente suficiente pra jogar uma partida, li em uma Dragão Brasil algo sobre pureza dos vampiros do jogo Vampiro: A Máscara. Posso estar bem errado (fãs de Vampiro, corrijam-me), mas creio ter lido algo sobre Caim ter gerado três vampiros, que seriam a segunda geração, que por sua vez geraram mais uma galera, a terceira geração, e por aí vai. Se bem me lembro, os vampiros de 13ª geração seriam o mais longe que se pode estar do sangue de Caim, a ralé vampiresca, que nasceu tarde demais para ser merecedora de algum respeito dentro dos clãs do jogo.

Mas, por um daqueles desvios da vida que me impediu de esbarrar em um conoisseur de RPG no colégio, ficar amigo dele e virar jogador assíduo, coisa que poderia ter acontecido caso meu lápis não tivesse caído no chão e eu tivesse saído da sala de aula sete segundos mais cedo no intervalo após o período de Química de uma terça-feira chuvosa, esse não é um blog sobre RPG, e sim sobre videogames. Mas videogames também têm gerações. E não, não é um post aula de história.

Troque o Wii da foto acima por um Top System e esse garoto da esquerda poderia ser eu, 16 anos atrás, ganhando meu primeiro videogame que, como eu só viria a saber depois, foi um dos muitos genéricos de NES a pipocarem no mercado na década de 90. Claro que, se esse fosse o caso, eu não estaria gritando de alegria como o menino da esquerda, e sim me perguntando quem diabos é o menino loiro, o que ele está fazendo na minha casa e, pior, por que ele está comemorando a chegada do MEU videogame. Tem outra: SE eu tivesse amigos nessa época, meu pai provavelmente não teria comprado um Top System pra me fazer companhia, teria comprado uma bola.

Mas não é o caso. Apesar da semelhança absurda com o Lipedalzinho de 1994, o guri da esquerda não sou eu, e sim alguém que nasceu uns bons anos depois e, salvo melhor juízo, está ganhando um Wii. Se jogadores fossem vampiros, eu – você também, provavelmente – seria um “gamer de terceira geração“ (Nintendinho, Master System), e esses meninos seriam gamers de sétima geração. Crianças cuja primeira experiência com videogames foi balangar um controle remoto para rebater em Wii Tennis e bailar em frente à TV pulverizando caras maus em Ben 10: Protector of Earth. Crianças que, se deixadas sem orientação, nunca virão a conhecer Super Mario World, e que correm o risco de jogar um jogo atual do Sonic e achá-lo incrível.

O parágrafo acima foi excessivamente dramático para fins ilustrativos, e para introduzir a verdadeira discussão do post: daqui a alguns anos, seremos pais de gamers de nona ou décima geração. Seremos aqueles tiozões nostálgicos que resmungam “ah, no meu tempo não tinha essa de pulo duplo”. Quando essa hora chegar, devemos ter o incômodo de apresentar os clássicos às crias, ou deixamos pra lá e tentamos conter as lágrimas quando ele implorar por Super Mario Multiverse de natal?

De novo recorrendo à comparação com filmes, eu tenho um pai que é adepto fervoroso da primeira opção. Junto com o velho, passei a adolescência vendo Hitchcock, muito 007 pré-Pierce Brosnan, todos os clássicos de Kubrick e os Pantera Cor-de-Rosa com Peter Sellers, para citar alguns, mas em compensação passei reto por Independence Day, O Sexto Sentido e até mesmo Exterminador do Futuro. Mais recentemente tenho tirado o atraso de alguns filmes, mas é bastante óbvio que é impossível assistir tudo de bom que há para se ver. Já com relação a videogames, papai é um gamer de segunda geração, que teve um Atari 2600, mas não chegou a me mostrar nostalgicamente os jogos da época – por uma questão de falta de hardware, leia-se “que fim deu aquele Atari que eu tinha, mãe?”.

Acho que minha dúvida surgiu pela primeira vez há um tempo, ao perceber que meu primo três anos mais novo zerou Super Mario 64 antes de saber da existência de Super Mario World. Três anos foram suficientes para que o rapaz perdesse uma geração inteira. Imagine alguém que ainda vai nascer daqui a oito, dez anos! Dou o videogame da geração pro meu filho – ou filha, claro – junto com uma cópia de Cartoon Network Generic Cartoon Game, acompanhado de um rancoroso “divirta-se”, ou tiro a poeira do Super Nintendo e faço a boa e velha chantagem de pai dizendo que ele vai ter que terminar Super Bomberman 3 com um amiguinho antes de ganhar o jogo da moda? Se eu não terminei Symphony of the Night, Ocarina of Time, nenhum Final Fantasy e mal joguei Metal Gear Solid, como vou ter moral pra convencer alguém a jogar os clássicos? Será que vou conseguir mostrar o melhor de dois mundos (não, dez!) pro sujeito, ou vai ser um gamer alienado de 10ª geração que vai olhar pro Jogo do Ano de 2010 e dizer “porra, mais jogo velho, pai”? Tem mais questões a serem levantadas mas o post tá ficando gigante, então fica pra discussão nos comentários.

Dúvidas, dúvidas… Pior vai ser explicar como era o mundo antes da internet.

Em um post do mês passado sobre Heavy Rain, comparei videogames com filmes e disse que nosso passatempo favorito ainda era uma criança perto da maturidade de outras mídias, que podem ser trabalhadas em cima de praticamente qualquer coisa, enquanto os games continuam a apresentar as mesmas mecânicas e os mesmos tipos de história de novo e de novo.

Agora eu preciso dar o braço a torcer e falar de algo que eu considero uma enorme vantagem dos jogos: variedade. Variedade sem medo de criar situações esdrúxulas. Variedade utilizada de forma a você, em uma mesma tela, espancar uma prostituta punk, um palhaço com facas, um ninja gay e um índio com correntes. E então eles caem indefesos, um “GO!!!” verde aparece sinalizando seu progresso na fase, você avança e descobre que precisa enfrentar lutadores de sumô gêmeos com miniguns.

Não lembro de ter visto algo assim em filmes, uma mídia que talvez se leve a sério demais para criar aventuras policiais permeadas de freaks assassinos*. Já os videogames têm tradição nesse tipo de coisa, a começar pelo encanador comedor de cogumelos e o porco-espinho giratório, mas atingindo o ápice no começo da década de 90. De quem foi a ideia genial de pôr cadilaques e dinossauros na mesma história, e ainda estampar isso no título?

Os beat ‘em up da época foram reis nesse tipo de coisa. Percebi isso lendo uma matéria da OLD! Gamer número 2 – revista boa demais, por sinal -, que destrinchava as gangues de jogos como Final Fight e Double Dragon. Os marginais de Streets of Rage, por exemplo, são “uma dezena de descamisados, punks, mulheres que dão choques elétricos, ninjas, caratecas e robôs”, em um show de variedade bandida de deixar The Warriors chorando no canto. A mesma revista tem uma enciclopédia dos fatalities de Eternal Champions, um jogo de luta à Mortal Kombat que consegue colocar um mafioso, um cowboy, um homem das cavernas, um faraó, um senador e mais 12 sujeitos na mesma tela de seleção de personagens!

Apesar disso, a indústria de videogames foi se tornando mais profissional, mais cara, mais sofisticada, e os vagabundos multicoloridos deram lugar a um character design mais bem elaborado e uniforme, como os espanhóis de Resident Evil 4, os splicers de Bioshock ou os combines de Half-Life.  De vez em quando alguma equipe corajosa sente saudades dos anos 90 e resolve sacanear, homenageando a variedade artística que tomou conta dos beat ‘em up com um pouco de humor, como acredito que seja o caso de God Hand.

Mas o que me faz feliz mesmo, de um jeito estranho, é a moda dos versus. Pegue algum bicho, raça ou coisa, pegue outra que não tenha relação alguma com a primeira, coloque os dois para brigar e pronto, você tem um jogo que, se não conseguir simpatia, pelo menos vai gerar curiosidade. Plants vs Zombies e Stalin vs Martians são provas vivas, acendendo uma fagulha de saudades dos tempos de Cadillacs & Dinosaurs, e me deixando com esperança de que mais coisas estranhas e sem vergonha nesse estilo surjam no meio indie, já que ninguém vai arriscar uma gorda soma de dólares produzindo Seringueiras vs Argentinos.

Para finalizar essa conversa que eu achei que daria um post curto, aviso que o Gui está com problemas de auto-estima com relação ao que escreve e pode ficar um tempinho sem postar. Fãs, hora de comentar “Gui é emo” e esperar que seu ânimo volte.

*Lembrei de Batman & Robin, o filme com Schwarzenegger como Mr. Freeze, Uma Thurman como mulher plantinha e uma pá de punks pintados, mascarados e/ou coloridos com neon, que fez sucesso entre a criançada nos idos de 1997 mas que agora só consegue provocar uma boca aberta e um sentimento de vergonha alheia. Batman & Robin deve ter sido uma exceção que foi na onda de Final Fight.

Eu sou alguém que raramente termina jogos. Vulgo zera. Detona. Dá final. Bate a fita. Embora já tenha jogado de tudo, o número de games que acabei pode ser contado nos dedos da minha família. Da mão, porque contar com os pés é estúpido. Hoje foi um dia especial, pois terminei Indigo Prophecy – depois de alguns anos fazendo tentativas fracassadas – e o sensacional VVVVVV.

Uns dias atrás resolvi escrever o que fazia VVVVVV ser tão bom, mas demorei e o companheiro Fabio Bracht, do Continue, publicou um post com a mesma ideia básica. Descansado por não precisar destrinchar minha gratidão pelos responsáveis pelo jogo, mas ao mesmo tempo sentindo que preciso fazer uma introdução aos leitores que estiveram debaixo de uma pedra anti-indie nos últimos dias, tomei uma decisão não muito ortodoxa: dividir esse texto em duas partes, a primeira das quais você vê na próxima linha.

Leia o post do Continue, se ainda não conhece o jogo.

A segunda parte trata do que eu considero ser uma fórmula de sucesso nos melhores dos últimos games indie que joguei. Trata-se de criar uma mecânica de base, com alguma característica que fuja do cânone das mecânicas de jogo, e explorá-la ao máximo. Não explorá-la ao máximo no sentido de criar fases cada vez melhores e mais difíceis fazendo uso da mesma mecânica, como em um jogo do Sonic, por exemplo. Abro parênteses aqui pra avisar que o próximo, Sonic the Hedgehog 4, vai ser um platformer 2D nos moldes clássicos, o que não me anima muito porque eu nunca fui fã da série, e pela conhecida existência do famigerado “Ciclo do Sonic”. Fecho parênteses. O explorar ao máximo a que me refiro é explorar tangencialmente, lateralmente, e não da forma óbvia. Pegue a mecânica básica, pense no que pode ser feito variando um pouco suas regras e sorria. Você fez algo bom.

Braid é um bom exemplo desse jeito de fazer jogos. A base do gameplay está lá: você anda, pula e volta o tempo. Ao pensar em como evoluir esse conceito, vêm à mente “tornar tudo devagar”, “tornar o boneco muito rápido”, “parar tudo” e outros truques que poderiam ser realizados com botões diferentes assim que se adquirisse o upgrade correspondente, como já foi feito em Sands of Time ou outros jogos que viram a face do tempo. A questão é que Braid não faz isso. Em Braid o ambiente ganha upgrades e o pensamento lateral invade o segundo mundo com a aura verde, que não é afetada pelo controle temporal. O pequeno Tim pode rebobinar seu percurso e ver tudo voltando ao seu lugar inicial, mas os objetos e inimigos verdes seguem alheios às regras da linha do tempo. No terceiro mundo, quando o jogador já pegou a malícia de lidar com coisas verdes, BAM, você descobre que agora tempo equivale a espaço e um passo vira um frame. E o jogo continua assim até le gran finale, the prestige, onde o extraordinário volta a ser ordinário e seu queixo vai de encontro ao umbigo.

Se você ainda não jogou Braid e não gostou de ler spoilers do segundo mundo, minhas desculpas, mas o negócio já tem quase dois anos. O que você fez nesses dois anos? Tinha Modern Warfare 2 embaixo da pedra anti-indie?

VVVVVV segue a mesma premissa. A mecânica básica é: você anda pros lados e inverte a influência da gravidade sobre seu personagem. Nem pulo, nem tempo, nem pew pew. E para inverter a gravidade o boneco precisa estar apoiado em alguma superfície. É bem isso que você está pensando: “no meio do caminho tinha uma pedra tinha uma pedra no meio do caminho, eu inverti a gravidade fui até o fim do mundo voando de cabeça pra baixo pisei no teto inverti de novo e fui caindo até chegar no chão do outro lado da pedra no meio do caminho”, em uma solução incomum para o problema de Carlos Drummond de Andrade. Já dava pra fazer um bom jogo de plataforma com isso, bastando acrescentar espinhos e uma pá de desafios de reflexo.

Mas, assim como Braid, VVVVVV foge do óbvio pela esquerda e explora as tangentes. Em um dos cenários, somos apresentados às linhas de inversão, fios que mudam a gravidade do personagem sem que ele tenha pedido por isso, o que muda completamente o jeito de pensar nos desafios. O “impossível dentro da mecânica do jogo” torna-se “é possível e necessário, mas tu vai morrer muito antes de conseguir”. Em outro, esteiras e plataformas dinâmicas fazem com que tudo fique mais difícil. E então, quando você pensa que já viu tudo, o jogo decide sacanear com seus próprios paradigmas e resolve que as salas não vão se comportar do jeito normal, e sim com regras novas com relação a onde você pode ir. E então você pensa que já viu tudo. Mas não, o level design dá um tapa de luva e diz “olha essa aqui então”, e quando você termina, ofegante, descobre que ainda há MAIS brincadeiras que podem ser feitas com o gameplay.

Essa genialidade de game design, aliada a uma exploração rápida e fácil do mapa, colecionáveis opcionais que traduzem-se em batalhas pela honra do jogador, uma historinha muito simpática – que, a propósito, pode esconder coisas como uma confissão amorosa dependendo da ordem em que os níveis são jogados – e checkpoints na medida para o jogo ser difícil mas não filho da puta, contribuem para que VVVVVV seja um dos poucos jogos dos quais eu me orgulho de ter terminado. E uma aula de game design, assim como Braid.

P.S.: Esse post é melhor aproveitado se você já jogou VVVVVV, Braid e Prince of Persia: The Sands of Time, e assistiu O Grande Truque (The Prestige). Aliás, a vida é melhor aproveitada assim.

Em uma entrevista do Guardian com Eiji Aonuma, ele revela que pode haver a habilidade de Link voar de alguma forma.  Aonuma diz que ele contou ao seu filho de oito anos que, no próximo Zelda, Link teria um trem. Seu filho respondeu: “OK papai, primeiro barco, agora trem? Certeza que na próxima vez Link vai voar no céu…” Eiji Aonuma faz uma pausa, sorrindo. Ele diz: “Sei lá. Se muitas pessoas fizerem muitas especulações… algumas delas podem estar corretas. Por enquanto, eu tenho que me abster de comentar qualquer coisa”.

Ou seja, em uma frase de criança esperta o menino chegou à conclusão que eu levei 10 parágrafos pra desenvolver. Ah, os japoneses.

Antes de um post cheio de opinião pessoal e previsões mal fundamentadas do futuro, um fato: o próximo Zelda será exibido na E3. Agora, como é de praxe, vem o post cheio de opinião pessoal e previsões mal fundamentadas do futuro, seguindo a linha desse outro aqui.

Mais ou menos desde o lançamento de Phantom Hourglass, para o DS, eu tinha desencanado de pensar no próximo Zelda e na polêmica afirmação de Miyamoto de que Twilight Princess seria o último jogo nos padrões conhecidos da franquia. Veio o primeiro game para o DS, depois uma concept art que não trazia nada de novo a não ser uma Master Sword falante, o segundo game para DS e então eu desencanei de vez. Até que, sendo apresentado à oportunidade de voltar a escrever sobre jogos e, por consequência, voltando a pensar um pouco mais neles, resolvi que ia também voltar a me preocupar com Zelda, e então comecei a ver sinais.

Não é nenhum mistério que eu esteja ansioso por ver um Zelda diferente, que não pareça ser uma terceira iteração de Ocarina of Time ou um DLC de Twilight Princess. A questão é que pensar em mudanças de Zelda é diferente de prever mudanças em Final Fantasy. Enquanto a Square já vendeu suas centenas de milhares de unidades de Chocobo Racing, pensar em um Zelda Kart parece ser uma quebra sádica de paradigmas, uma falta completa de bom senso e uma triste piscina de dinheiro, à Tio Patinhas, ganha às custas do público casual. De forma semelhante, Final Fantasy já se aventura há tempos por ambientações futuristas, após uma passada pelo steampunk no sexto jogo da série, mas em se tratando de Zelda o pensamento faz fãs da Epona tremerem em suas selas.

Sendo assim, prever um Zelda fora dos padrões é mais vago e suscetível a ideias mais esdrúxulas do que, por exemplo, uma simples modificação no sistema de batalha. E aí entram os “sinais”: mudanças positivas ou negativas nos últimos títulos da série que me fazem pensar no seu futuro. Quer um exemplo? TRILHOS!

É, os trilhos. Muito tempo se passou desde aquele “It’s dangerous to go alone! Take this” que largava o jogador à mercê de um mundo livre, sem mapa e cheio de perigos, e que dava início a uma série que imprimiria rios de dinheiro daí para a frente. Em Wind Waker, uma nova forma de jogar foi criada: ilhas desconectadas servindo de cenários independentes onde os puzzles e desafios clássicos de Zelda poderiam ser colocados, mas sem o problema de como preencher a distância entre os lugares. “Faz um marzão”, disse Aonuma, e ele viu que isso era bom. Se, em A Link to the Past, ir de Kakariko à fonte das grande fada era uma viagem repleta de perigos, com um percurso a ser considerado assim que se tivesse os itens necessários e com prováveis baús de heart pieces no caminho, em Wind Waker a viagem consistia em pegar o barco em Windmill Village e guiá-lo até a ilha desejada. Em uma viagem repleta de perigos.

A fórmula se repetiu em Phantom Hourglass: dessa vez bastava traçar a rota desejada no mapa e aguardar uns chatos dois minutos enquanto caras maus tentavam destruir o tédio com balas de canhão. Tesouros, baús com heart pieces? Talvez houvesse algum no caminho, caso você tivesse em sua carta de navegação um X vermelho, conseguido em mapas mundo afora. Outra novidade de Phantom Hourglass foi ter transformado os baús em façanhas brochantes. Se antes um baú praticamente inatingível significava um bônus a ser alcançado com um pouco de cérebro e o equipamento necessário – fosse um heart piece, fosse um upgrade nos itens ou uma grande quantia em dinheiro -, agora os baús estão cheios de tesouros sem sentido, cujo papel no jogo é meramente ter um determinado valor de troca para compra e venda em lojas. O “HAHA, sabia que tinha como chegar aqui em cima!” dá lugar a “puta que pariu, tudo isso pra pegar outro Dark Pearl Necklace?”

A grande inovação de Spirit Tracks foram os trilhos, leia-se “agora você pode escolher o menor caminho entre A e B mesmo sem saber traçar uma reta”. Novamente, há as cidades, os templos, os santuários, os cenários específicos com minigames, e um grande campo vazio entre os pontos de interesse, a ser percorrido por trilhos. Sai a necessidade de obter o hookshot de modo a acessar uma nova e grande porção do mapa geral, para dar lugar a trilhos arbitrários que surgem assim que você completa um templo ou uma sidequest, dando acesso a novas áreas.

Meu ponto? Talvez Twilight Princess tenha mesmo sido o último jogo nos padrões estabelecidos, o último em que você explode sem querer uma pedra durante um passeio a cavalo e percebe que há uma caverna lá, inevitavelmente levando a um pedaço de coração ou upgrade no equipamento. Talvez o próximo Zelda substitua o mundo livre para exploração por áreas fechadas ligadas por trilhos, mares, escuridão impenetrável, o espaço sideral ou sabe-se lá. A meu ver, seria uma péssima forma de remodelar a franquia, com um cheiro amargo de preguiça. Outra mudança que vem ocorrendo é dar cabo dos dungeon maps e bússolas, e trocá-los por mapas que já vêm prontos e estátuas que cobram um preço módico para spoilar a localização dos baús – um dos quais guardará a quantidade de rupees necessária para ressarci-lo do prejuízo. Também seria uma modificação porca a ser aplicada no próximo Zelda de console. Mas eu sou um blogueiro otimista, então vamos ao Lado B.

Primeiro foi um barco a vela em Wind Waker. Um Twilight Realm permeado por uma atmosfera high-tech veio logo em seguida. Logo depois Link navegou os quatro mares em um barco a vapor, e então, mais recentemente, ele é um engenheiro que trabalha com trens e precisa salvar o mundo seguindo os conselhos de anciões que se locomovem em carrinhos voadores, enquanto atira em tanques que perseguem seu transporte pelas planícies. Parece teoria conspiratória de gamer que não tem mais o que fazer, mas não consigo deixar de olhar para os carrinhos voadores e pensar “sabe, um Zelda no futuro não seria mau“. Pode ser uma evolução gradual no sentido de deixar para trás a ambientação clássica e partir para os carros voadores, os templos futuristas e os Gorons cyberpunk, sem contar essa Master-Sword-menininha-emo da concept art. Pode ser que estejamos presenciando uma revolução mais leve do que o mundo movido a vapor de Final Fantasy VI, que deu liberdade para que a versão seguinte fosse ambientada em um mundo de megacorporações, transportes rápidos e robôs, e quebrou o paradigma de que Final Fantasy precisava ser fantasia medieval.

Pode ser que eu esteja pensando demais, esteja errado em tudo e seja mais tranquilo deixar rolar.

Ontem sonhei com Heavy Rain. Talvez porque ia escrever algo sobre a confusão com relação à capa do jogo, ou talvez porque, após dois anos, resolvi terminar Indigo Prophecy e subitamente fiquei na expectativa com relação a seu sucessor espiritual. O que importa é que sonhei com Heavy Rain, acordei conversando comigo mesmo sobre o futuro dos jogos, e resolvi que precisava despejar por aqui, num típico post “mesa de bar”.

No sonho, eu havia acabado de receber uma caixa gigante com o jogo, um manual, bonequinhos e uma espécie de PSP de 14 polegadas. Corta para eu jogando Heavy Rain na parada de ônibus, na chuva, com meu pai do lado. O cenário à minha frente se confundia com o virtual, em uma espécie de tela de realidade aumentada, e depois de alguns momentos de jogo meu pai olha pro PSP gigante, olha pra mim e diz “bah, então os jogos já tão assim é?”. Corta pra sala de estar de um apartamento que eu não sei de quem é, chovendo do lado de fora, e alguém me fala que roubaram minha caixa. Aí eu acordo.

O que ficou martelando na cabeça foi a surpresa do velho. “Então os jogos já tão assim?” claramente não fazia referência aos gráficos fotorrealistas ou ao PSP com realidade aumentada. Ele se referia à temática, ao modo de jogar, ao fato de eu não ter explodido nenhum monstro virtual durante o tempo em que ele estava assistindo. Pelo menos essas foram minhas impressões pós-sonho, e que me puseram pra pensar.

Os leitores de longa data que leram esse ou esse post, anteriores ao falecimento do No Controle, têm uma ideia da minha opinião meio controversa sobre o estado da arte gamer. Acredito que seja uma forma de arte (é, acredito que seja uma forma de arte) com um potencial imenso, mas que ainda não cresceu: já faz quase tudo que se pode fazer, já tem barba e bigode bonitos, o corpo praticamente formado, mas ainda tem uma mentalidade de adolescente. Enquanto os filmes, para pegar um exemplo de arte próxima, apresentam de comédia a guerra, de romance a documentário, de “12 Homens e uma Sentença” a “Primer”, entre uma infinidade de outras coisas possíveis, os jogos costumam terminar em uma de duas vertentes com relação ao gameplay: ou tu tá praticando algum esporte ou tá matando alguma coisa.

Há exceções, claro. Indigo Prophecy é uma delas, juntamente com o saudoso gênero adventure, que foge completamente à regra. Mas, no geral, tire os aliens de Half-Life e você não tem jogo, deixe Super Mario World sem goombas e koopa-troopas e você terá um plataforma sem sentido, até mesmo a obra-prima do puzzle temporal Braid precisa de uns monstrinhos bucha de canhão, sob o risco de se tornar um jogo entediante. A tecnologia evolui, os consoles disputam pela atenção do público, mas ainda não temos um Forest Gump, um Benjamin Button, no mundo gamer. Não é à toa que The Sims fez um sucesso estrondoso entre as meninas: é como se alguém tivesse criado a comédia romântica em um nicho no qual ninguém tinha pensado antes.

Mantendo a analogia com a sétima arte pra facilitar meu pensamento, acredito que o estado atual dos games é mais ou menos como se fosse 1935, os filmes já fossem falados e a cores, mas a arte tivesse empacado nas comédias visuais estilo O Gordo e o Magro. Nada de Metropolis criando uma narrativa épica e dramática, nada de O Gabinete do Dr. Caligari criando o medo em preto-e-branco. Não, colorido, falado, bonitinho, crescidinho de barba e bigode, e se limitando a trapalhadas e humor pastelão.

Heavy Rain, por sua vez, me vem como um fôlego de esperança na maturação dos games. Um jogo que ousa ter um pôster foda, que ousa passar sem “10 armas completamente novas, três facções rivais, sete power ups e modo multiplayer para até 64 pessoas!”, e cuja caixa, eu espero, trará algo mais adulto que isso escrito na parte traseira. Apesar de já terem zoado a capa. Nesse post do PlayerTwo dá pra ler um pouco mais sobre o jogo, já que eu praticamente só falei sobre minha opinião gamer.

Conversando com o Gui, descobri que a opinião dele é bem oposta à minha. Ele acredita que, como jogo, um jogo deve focar no gameplay, não virar um filme interativo, como Indigo Prophecy se auto-denomina. A proposta de um filme é entreter através de uma narrativa, enquanto a proposta de um jogo é entreter através do gameplay. Jogos servem para divertir mais do que contar uma história, e sendo assim, nada melhor do que dar porrada em uns bonecos. Claro que, se vocês colaborarem, a discussão se aprofunda nos comentários e o Gui expõe direitinho a ideia dele, mas foi mais ou menos o que a gente conversou. Eu sou da opinião de que as artes se acumulam, e que games deveriam, sim, ter uma boa narrativa – que não necessariamente envolva salvar o mundo ou extirpar a facção adversária-, música bem trabalhada e atuação decente de forma a serem exemplares “completos” da arte gamer.

Claro que não todos os jogos, porque é bom demais dar porrada em uns bonecos pra espairecer.

Team Fortress 2 por si só já é um jogo fascinante, mas fascinante não é o bastante para a Valve, que continua inovando e trazendo constantes updates ao jogo, alguns deles relevantes e que chegam a alterar completamente o modo como uma classe é jogada e outros nem tão relevantes assim. Mas uma coisa ninguém esperava: A Valve passou, a partir do último update, a permitir que os usuários adicionem conteúdo.

No último update, chamado “Contribute”, a Valve oficializou algo que já tem sido feito a muito tempo pela comunidade do TF2: o conteúdo customizado, feito pelos próprios jogadores. Muito conteúdo que já era parte do jogo antes do update foi feito por jogadores, como diversos mapas e até mesmo algumas armas: A Equalizer, nova arma melee do Soldier, foi fruto da mente de um jogador. Não só isso, mas constantemente a empresa consulta jogadores de nível competitivo para saber quais as coisas podiam ser alteradas. Foi assim que o Sandvich, do Heavy, deixou de curar apenas uma porção do HP do personagem e passou a enchê-lo completamente.

Agora a coisa é um pouco mais ativa. A Valve não corre mais atrás dos jogadores, são os jogadores que levam seu conteúdo à Valve. Isso acontece porque, segundo uma declaração da Valve no blog oficial de Team Fortress 2, “Muitos de vocês têm criado fantásticos trabalhos já faz um tempo, e nós queríamos uma maneira de permitir que vocês exibam seus trabalhos a todos os jogadores de TF2, para que todos vejam o seu trabalho e saibam que foi você quem o construiu”. Exemplo disso é o Guard Dog, criação do jogador brasileiro Diogo Lima, e que teve uma absurda repercusão no mundo todo. A Valve até mandou uma carta de agradecimento ao jogador.

O conteúdo que poderá ser criado é extenso: poderão ser criados novos hats, novos avatares – modelos de personagens – e até mesmo novas armas! Claro, não será possível criar uma Natascha que atira rockets e é equipada no Scout; as armas e os demais conteúdos que poderão ser adicionados não passarão de modelos, de skins. Mesmo assim, uma vez criado e avaliado, seu item será entregue a você e todo mundo terá uma chance de granhar seu item aleatoriamente, como acontece com os demais itens do jogo.

A Valve, sendo a perfeccionista que é, também impôs alguns outros limites: Eles pedem que você mantenha em mente que o jogo se passa nos anos 50, então nada muito futurístico será permitido no jogo. Tampouco serão permitidos itens que não encaixem na personalidade das personagens; então, por exemplo, um hat pro Scout deve ter a ver com a personalidade do Scout, como o capacete de baseball. Outros limites mais técnicos de modelagem e texturas também foram impostos, além dos óbvios limites que impedem os jogadores de enviarem conteúdo ofensivo.

Uma pena que todo esse conteúdo custom não vai melhorar a performance do Pedal em TF2, porque ó, tá precisando. =(

E é isso! Logo veremos mais conteúdo não-oficial no jogo. E você, se tem interesse em mandar seu conteúdo para a Valve, é fácil! É só acessar o host-site oficial do Contribute e enviar seu conteúdo. Aí tu aproveita e faz um pedido pra que a Valve mande de presente pra mim e pro Lipedal um item feito por você! =)

Aconteceu de novo. Os fãs estão na expectativa por um jogaço que já saiu no Japão, mas ainda vai demorar uns meses pra chegar no Ocidente, e então um cara importante chega, fala que esse pode ser o último jogo da franquia nos moldes clássicos e BAM, todos ficamos duplamente hypados.

Lembram desse post sobre Zelda? Na época, Pai Miyamoto comentou que Twilight Princess poderia ser o último jogo da série do jeito que conhecíamos. Pessoas morreram de antecipação, desenhistas fizeram concept arts de um The Legend of Zelda 3000, desocupados escreveram posts gigantes com previsões do futuro. Veio Phantom Hourglass, veio Spirit Tracks, uma imagem do novo jogo para Wii foi divulgada e até agora nada de revolução na série. Ainda tenho alguma esperança de jogar um Zelda remodelado num futuro próximo – ou nem tão próximo, já que ele “só será lançado quando estiver perfeito” -, mas não criei muita expectativa com relação a isso.

E agora o mesmo acontece com Final Fantasy. Yoichi Wada, o presidente da Square Enix, está feliz com Final Fantasy XIII, mas acredita que a equipe que trabalhou no jogo poderia pensar em “criar formas ‘nova geração’ de se jogar”. Claro que é só a opinião do cara, uma opinião que envolve mudar uma fórmula que funciona há muito tempo, com retoques a cada nova edição da franquia, e não dá sinais de precisar ser aposentada.

Mas, caso resolvessem revolucionar mesmo, como seria a “forma nova geração” de jogar Final Fantasy? Façam suas apostas

Dia 30 de Novembro de 2009 foi anunciado um novo jogo da franquia Prince of Persia, a ser lançado pra tudo quanto é console e handheld. O jogo, cujo subtítulo é ‘Forgotten Sands’ (algo como ‘areias esquecidas’) não é um spin off e tampouco uma continuação do último Prince of Persia lançado, mas sim um jogo que se passa entre Sands of Time e Warrior Within. E é sobre tudo o que se sabe sobre esse lançamento que iremos falar agora!

1. História

Com data de lançamento já prevista pra 11 de Maio desse ano, a empresa Ubisoft não nega a vontade de querer lançar o jogo para acompanhar ‘o grande impacto que o filme sobre PoP irá causar na série de jogos’, mas o jogo não se trata de uma adaptação direta do filme. O jogo começa quando Prince, depois de sua aventura no primeiro jogo, visita o reino de seu pai – agora, de seu irmão – e encontra o palácio real sob ataque de um exército bolado que quer destruir todo o lugar. É aí que nosso mancebo persa/árabe/turco resolve usar os poderes da Areia do Tempo pra salvar o reino da total aniquilição, onde, de acordo com os responsáveis pela anunciação do jogo, ‘o Príncipe irá aprender a portar o manto da liderança, e descobrirá que um grande poder sempre vem com um grande custo’. Bla bla blá.
Isso, consequentemente, nos deixa claro que veremos novos personagens.

Então, até agora, deduzimos que o novo PoP não passa de uma jogada da Ubisoft pra tirar dinheiro dos fãs e de quem tá hypado com a série. Nada de informações da primeira aparição do Dahaka, de como o Prince aprendeu a falar ‘you bitch!’ em pleno oriente médio antigo e outros detalhes que passaram batidos na transição do primeiro para o segundo PoP. A esperança de que o jogo tenha uma história cativante como em suas outras versões ainda existe, uma vez que poucas informações foram divulgadas, mas parece que o forte do próximo jogo do Prince será o gameplay. E é aí, amiguinhos, que a coisa começa a ficar interessante.

2. Gameplay

Além da já clássica jogabilidade regada de ‘cenários-puzzle’ onde o jogador abusa das habilidades desumanas do Prince naquilo que hoje chamaríamos de ‘parkour’, o jogo promete um bom gameplay nas batalhas. Nada surpreendente até aqui. Mas os developers estão prometendo, além do controle sobre o tempo, um controle também sobre elementos da natureza, elevando os desafios a ‘níveis ainda não vistos’, dando ao jogador total controle sobre o cenário e sobre os inimigos. Alie isso à premiada Anvil Engine, usada em jogos como os dois Assassin’s Creed, aquele Prince of Persia com a Yorda-wannabe, e também a engine a ser usada em Forgotten Sands, e teremos, em teoria, cenas fantásticas num reino em guerra, com momentos épicos que farão o jogador ficar de queixo caído. Ou, em outras palavras, ‘vai parecer um filme!’. Hm.

Note, nessa cena, que Prince tá apoiado em água. Quem sabe, uma das maneiras prometidas de controlar a natureza.

Que fique claro, essas declarações foram dadas tendo em base a versão de PS3, PC e Xbox 360. As versões de Wii, DS e PSP também terão suas novidades, mas estas ainda estão a ser reveladas.

3. Media

Por hora, só foram revelados três artworks, três screenshots – que tu não acha na IGN, mas tu acha aqui no No Controle – e um vídeo de lançamento que não mostra nada. Apesar de já ter postando algumas screenshots aí em cima, vou colocá-las todas aqui em thumbnail pra tu poder clicar e ver em tamanho bom.

3.1. Screenshots

3.2. Artworks

3.3. Vídeo

Clica aqui!

E é isso, folks. Por mais cético que eu possa ser, é Prince of Persia, e de PoP todo mundo gosta! Por mais caça-níquel que esse jogo aparente ser eu não escondo a empolgação e vou fazer de tudo pra jogar assim que for lançado. Outra coisa que vou fazer é postar aqui toda e qualquer outra novidade sobre o jogo. Mas, por hoje, é só.

Aquele abraço!

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